Modernidad

Art And Crafts Fue un movimiento de protesta que defiende el proceso de artesanado. El movimiento Art and Crafts o Artes y Oficios surgió detrás de la figura de Willian Morris (1834-1896) quien proponía que el arte debía estar al alcance de todos y no solo de una minoría elitista, Morris también rechazaba la producción industrial; objetos que imitaban con una mala calidad la producción de artistas, diseñadores y artesanos.

Las más famosas obras del Art and Crafts fueron producidas por MORRIS AND COMPANY de Willian Morris; estampados de gran laboriosidad hechos a mano o sillas ensambladas en talleres son algunas de sus producciones.

A pesar de que uno de las principales bases filosóficas del movimiento era proponer obras de calidad y hechas artesanalmente al alcance de todo esta norma no pudo ser cumplida. El Art and Crafts era un movimiento que se desarrollaba en talleres donde se invertía una cantidad importante de recursos económicos e humanos lo que llevó a convertir al movimiento en un estilo elitista porque solamente los adinerados podían pagar el costo de una obra artesanal. A partir del movimiento Artes y Oficios surgieron el Arte Nuevo y el Movimiento Moderno.

El objetivo estético del Arts & Craft era revalorizar el hecho decorativo como elemento esencial de la vida humana.

Art Noveau

es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX.Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño. Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el Diseño gráfico.

El principal elemento ornamental del Art Nouveau es la línea ondulada, cargada de asimetrías, movimiento y energía. Pero el verdadero valor del estilo se aprecia cuando entramos en contacto con la obra real, tridimensional en muchas ocasiones, donde la línea dialoga con el espacio y la forma general. La ornamentación Art Nouveau es inquieta, pero logra encontrar el camino para mantenerse equilibrada. Uno de los logros artísticos principales de sus creadores es alcanzar una compensación del efecto de movimiento por medio de la armonía equilibrada. “Su aspecto más importante es su habilidad para acentuar la estructura de la forma y, a renglón seguido, fusionar el objeto y su ornamentación en una cantidad orgánica: el fin es unidad y síntesis.”

Como elementos decorativos, los tópicos de la naturaleza ocupan un lugar preponderante, sobre todo los vegetales, como retoños y capullos.

La fuerza emanada de la línea vegetal ocupó un lugar central en la teorización sobre el arte llevada a cabo por algunos de los impulsores del Art Nouveau. Sobre la base de conocimientos de botánica, artistas como Christopher Dresser, diseñador y escritor, postularon ideas acerca de la forma y la energía de las plantas en los diferentes momentos de su evolución. Puede decirse que el motivo vegetal y la entronización del hierro dentro de la superficie visible de la edificación, modelaron el Art Nouveau europeo. Una de las cualidades esenciales del Art Nouveau como estilo arquitectónico, es la “habilidad para poner en práctica la teoría estructural, exponiendo los elementos constructivos, particularmente el hierro, para que sean visibles y a menudo decorativos. El ornamento sirve para simbolizar y dar énfasis al enfoque estructural.”

La Bauhaus

 Fue un movimiento artístico que surgió en 1919 en Weimar, una ciudad que hoy forma parte del estado alemán de Turingia. Su fundador fue Walter Gropius, un arquitecto, diseñador y urbanista sobre todo en su primera etapa, proponía recuperar los métodos artesanales en la construcción y buscaba favorecer la comercialización de productos que fueran accesibles para la mayor parte de la sociedad.

Se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales.

                                                                     CARACTERISTICAS

• Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar.
• Unión de arte y funcionalidad Esta fusión es elemental porque hace que el artista ya no sea una entidad aislada, sino que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función. Se trataba de crear productos funcionales y económicos pero a la vez atrayentes para el mercado. Para esto se utilizaron materiales más baratos (como metal, vidrio, cristal, madera, entre otros).
• En Bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista. Gropius incitaba a sus alumnos a probar con distintos materiales, a conocer sus propiedades, manejarlos y adoptar el que más le acomodara.
• Consideraban las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era ‘fluido y central’, el cuadrado resultaba ‘sereno’ y el triángulo, ‘diagonal’.
• La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva. Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material, sin ornamentos. Critican el uso de formas innecesarias.

                                                                El Diseño como Actividad

En el diseño gráfico, desde sus orígenes, pero sobre todo a la luz del presente siglo, es evidente la participación, en diversos niveles, de múltiples disciplinas que inciden de manera directa en las distintas etapas y las variadas posibilidades de su conformación. Una actividad como el diseño de la comunicación gráfica es el resultado de la interacción de distintas disciplinas por lo que se hace fundamental dejar a un lado la visión unidisciplinaria y considerar al diseño, por sus características, como una actividad multidisciplinaria.  En especial por la cantidad de elementos que participan en este proceso creativo y por los distintos enfoques desde donde puede considerarse la realización y análisis de los objetos de diseño. Desde esta perspectiva multidisciplinaria el enfoque semiótico es abordado como una de los diversos acercamientos desde donde es factible analizar, evaluar, proyectar y realizar los distintos objetos y mensajes del diseño como actividad de comunicación visual

El pop Art y su relación con la gráfica 

La palabra “POP” fue acuñada por primera vez en 1954 por el crítico de arte británico Lawrence Alloway, para describir un nuevo tipo de arte inspirado en las imágenes de la cultura popular. El arte pop fue creado por los artistas de Nueva York de principios de los años 1960, como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Claes Oldenburg. Su influencia se extendió a nivel mundial a medida que los imitadores saltaban sobre su carro. Los artistas pop usaron objetos familiares de la cultura popular como antítesis del “arte tradicional” para protestar contra los temas habituales de moralidad, religión e historia. Utilizaban artículos comerciales de producción masiva y materiales de publicidad insípidos como objetos de arte que los celebraban como arte. Quizás inadvertidamente descubrieron una nueva estética artística.

Era el arte de la cultura popular. Es el movimiento de arte visual que caracterizó un sentido de optimismo durante el boom del consumidor de posguerra de los años cincuenta y sesenta. Coincidió con la globalización de la música pop y la cultura juvenil, personificada por Elvis Presley y los Beatles. El Pop Art era impetuoso, joven, divertido y hostil al establecimiento artístico. Incluía diferentes estilos de pintura y escultura de varios países, pero lo que todos tenían en común era un interés por los medios de comunicación masiva, la producción en masa y la cultura de masas.

El impacto de la era del arte pop en el diseño gráfico y el papel desempeñado por artistas como Andy Warhol y Roy Liechtenstein es una de las áreas menos comprendidas en el arte y la cultura de mediados del siglo XX. Estos artistas descubrieron una nueva y audaz estética cromática, expresada principalmente en las relaciones espaciales del arte figurativo.

Desafortunadamente, el arte pop fue también el predecesor del “arte conceptual” de los años noventa que fue responsable de una avalancha de basura no creativa, producida por charlatanes que encontraron el mercado del arte de la época lo suficientemente crédulo como para aceptar sus productos como arte. Esta monstruosidad ha sido interpretada por algunos como el reflejo de la contracultura popular de los años 60 en los artistas. Algunos han tratado de atribuir la estética del pop a la influencia que altera la mente de las drogas. Cualesquiera que sean las causas, el hecho es que tuvo un impacto devastador en la escena del arte visual.

Arte Optico y el Diseño Vasarelly 

Fue un artista al que se ha considerado como el padre del op art o el arte cinético. Todos estamos familiarizados con su obra, que ha tenido múltiples seguidores y aplicaciones en distintos medios, combina las leyes de la física y la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. 

Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Su agudo y preciso sentido de iluminación y profundidad hacían sus obras  prácticamente únicas.

Cinetismo

 Es la forma de crear que se basa en el movimiento de los elementos que componen la obra o que se disponen en el espacio de la representación gráfica. Los autores, usando técnicas opticas y de una ejecución de la obra muy estudiada, generan sensaciones de movilidad, para ello usan los conocimientos técnicos como son el juego con luces y sombras, el contraste de colores, el tamaño y proporcionalidad de los objetos, incluso aplican, a sus obras, de pequeños motores dotándolas de movimiento.

El arte cinético puede abarcar una buena cantidad de categorías de objetos. Están ante todo, aquellas obras de arte que, a pesar de ser estáticas de hecho, parecen moverse o cambiar. Pueden ser de dos o de tres dimensiones: 

Hiperrealismo

Conocido también como superrealismo es un movimiento pictórico surgido en la década de los 60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica, busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y traducción fiel de la escena. Por tanto los temas son representados con exactitud  minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico que supera la visión del objetivo fotográfico.

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.

En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas. Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías. El propósito es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores, paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina 

El Abstraccionismo 

Es un movimiento artístico que surge a finales del siglo XIX como consecuencia del impresionismo, esta corriente le da un papel muy importante a la forma y el color, creando un aire de libertad en la creación y el arte como fin en sí mismo. 

Hay dos tipos de abstraccionismo:
-Abstracción lírica o cromática
-Abstracción geométrica

En el primero se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y el ritmo que producen por su relación para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura. 

En el segundo utiliza la simplificación y el rigor matemático/geométrico de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada.

Este movimiento artístico que ya se iba apuntando desde finales del siglo anterior; que busca la renovación absoluta de la pintura; que pretende que el hombre mismo se transforme; y que fue denominado "Abstracto" de la manera más infundada y absurda, dado que es una pintura que, precisamente, contiene concreciones (sus temas son rotundos: manchas, formas geométricas, puntos, rayas, etc., que podrán gustar o no, pero cuya presencia es rotunda y nada abstracta).

La abstracción cromática centra como ya lo habíamos mencionado su interés en el color, hay una obsesión por el color, simplemente plasmar colores y a su vez, representaba el estado anímico de su pintor que a su vez pretende con su obra causar una impresión anímica (buena o mala) en el espectador.

Algunos de sus exponentes más reconocidos son:
-Casimir Malevich
-Piet Mondrian
-Wassily Kandinsky
-Robert Delaunay